TAKING MY GLOVES OFF

2012-02-14T04:44:00.001-08:00

ninguém, nem mesmo a chuva, tem mãos tão pequenas

Keats

Louise Bourgeois e a matemática do desejo

2012-02-09T10:00:00.000-08:00

Louise Bourgeoisestudou matemática na Sorbonne, em Paris, em 1932. Porém, abandonou o curso epassou a frequentar diversas academias de arte até 1937, entre as quais Ranson,Julian, Calarossi e La Grande Chaumière. Foi aluna de André Lhote, Gromaire,Othon Friesz, Paul Colin e Fernand Léger, muito influenciada por este último,que revela sua vocação para a escultura. Em 1938 casa-se com o historiador dearte Robert Goldwater e passa a viver nos Estados Unidos, onde frequenta o ArtStudents’ League no ateliê de Vaclav Uylacil; nesse período é influenciadapelos cubistas, surrealistas e construtivistas. Em 1945 associa-se aos artistasda geração do expressionismo abstrato e a partir de 1946 mantém contato com LeCorbusier, Joan Miró e Yves Tanguy.

Louise Bourgeois fez arte conjugada com a literatura, a moda, o erotismo, oconflito e o desejo. A artista subverte os temas para questioná-los, como aarte deve ser.

Louise Bourgeois nasceu em Paris em 25 de dezembro de 1911 emorreu em Nova York em 31 de maio de 2010.

Louise Bourgeois

Séries autobiográficas
Gravura em metal

Museu da Gravura Cidade de Curitiba - 1º andar, bloco A

Até 19 de fevereiro de 2012

Caprichos de Goya

2012-02-09T09:58:00.000-08:00

A série “Os Caprichos”, de Francisco Goya (1746-1828), está exposta no Museu Oscar Niemeyer (MON). São 80 gravuras que ele elaborou entre 1797 e 1799 a partir das técnicas de água-forte, água-tinta, ponta seca e buril.

Salvador López Becerra, diretor do Instituto Cervantes de Curitiba, instituição parceira na realização da mostra, explica que essa coleção é uma sátira da sociedade espanhola de fins do século 18, especialmente da aristocracia e do clero, do sistema de valores, do imobilismo dos costumes e da superstição. “É com ‘Os Caprichos’ que Goya se consagra como o grande mestre da gravura”, afirma Becerra.

Becerra lembra que os críticos afirmam que Goya é um dos precursores da arte moderna. “Desta forma, é óbvio comprovar como ‘Os Caprichos’ influenciaram gerações de artistas de movimentos tão díspares como o romantismo francês, o impressionismo, o expressionismo alemão e o surrealismo”, afirma.

Exposição “Os Caprichos”, de Goya.
Em cartaz até 24 de abril de 2012
Museu Oscar Niemeyer: Rua Marechal Hermes, 999 – Centro Cívico – Curitiba.
Horário: 10h às 18 horas.
De terça a domingo.
Ingressos: R$ 4 e R$ 2 (No primeiro domingo de cada mês a entrada é franca).

2012-02-09T09:56:00.001-08:00

a vida é um sopro

Vazio inexorável

2012-02-03T11:11:00.000-08:00

No texto Ler um romance de Orhan Pamuk para a Revista Piauí de novembro, ele diz na abertura: “Um romance é uma segunda vida. Como os sonhos de que fala o poeta francês Gérard de Nerval, os romances revelam cores e complexidades de nossa vida e são cheios de pessoas, rostos e objetos que julgamos reconhecer. Assim como no sonho, quando lemos um romance, às vezes ficamos tão impressionados com a natureza extraordinária das coisas que nele encontramos que esquecemos onde estamos e nos vemos no meio dos acontecimentos e das pessoas imaginárias que contemplamos”.

Sensação que permeia a vida de modo intrínseco, confunde sonho e realidade. Na imensidão voraz, da vida quando engasga. E surge uma imagem bumerangue, palavra-imã, eterno retorno. É uma espécie de amuleto, sinal, presságio. Encruzilhada, esquina, medo. A sós com as palavras, ouço John Keats , “Quanto tenho temores em cessar de ser...”.

A narrativa forma mais que uma frase, dá um sentido, imerso em referências e impressões que transcorrem outro universo. Puxado pela memória, contrasta com o vazio que transborda, que não se sustenta, que invade quando se está absolutamente só. Percorre os sonhos, cai nas paisagens solares, risca as noites sem fim.

Surge, aniquilador naquela frase, naquele livro, na imaginação que não dorme. No sentido que está na ancestralidade das percepções. Percorre as páginas em branco, escreve pelo corpo e refaz toda a cartografia da memória.

No livro O Aleph, de Jorge Luis Borges, ele diz: “vi a circulação do meu sangue escuro, vi a engrenagem do amor e a transformação da morte, vi o Aleph, de todos os pontos, vi no Aleph a Terra, e na Terra outra vez o Aleph e no Aleph a Terra. Vi meu rosto e minhas vísceras, vi teu rosto, e senti vertigem e chorei, porque meus olhos tinham visto aquele objeto secreto e conjectural cujo nome os homens usurpam mas que nenhum homem contemplou: o inconcebível universo.”

Uma das cenas mais inesquecíveis desse universo paralelo é o capítulo 7 do Jogo da Amarelinha, de Julio Cortázar: “Você me olha, de perto me olha, cada vez mais de perto, e então brincamos de cíclope, olhamo-nos cada vez mais de perto e nossos olhos se tornam maiores, se aproximam uns dos outros, sobrepõem-se, e os cíclopes se olham, respirando confundidos, as bocas encontram-se e lutam debilmente, mordendo-se com os lábios, apoiando ligeiramente a língua nos dentes, brincando nas suas cavernas, onde um ar pesado vai e vem com um perfume antigo e um grande silêncio. Então, as minhas mãos procuram afogar-se no seu cabelo, acariciar lentamente a profundidade do seu cabelo, enquanto nos beijamos como se tivéssemos a boca cheia de flores ou de peixes, de movimentos vivos, de fragrância obscura. E se nos mordemos, a dor é doce; e se nos afogamos num breve e terrível absorver simultâneo de fôlego, essa instantânea morte é bela. E já existe uma só saliva e um só sabor de fruta madura, e eu sinto você tremular contra mim, como uma lua na água”.

Como se alguma conclusão fosse possível, finalizo com o escritor mexicano Octavio Paz. "Palavras, frases, sílabas, astros que giram ao redor de um centro fixo. Dois corpos, muitos seres que se encontram numa palavra. O papel se cobre de letras indeléveis, que ninguém disse, que ninguém ditou, que caíram ali e ardem e queimam e se apagam. Assim, pois, existe a poesia, o amor existe. E se eu não existo, existe você."

Existo, permaneço nesse mistério. A respiração para. Palavras ancestrais formam outro universo. Isso que torna o abismo mais profundo. Tão perto, tão longe, tão real, tão fictício. Um vazio inexorável.

2012-02-01T08:39:00.001-08:00

fui caindo como um sol caindo

Rayuela - Capítulo 7

2012-01-31T07:51:00.001-08:00

"Você me olha, de perto me olha, cada vez mais de perto, e então brincamos de cíclope, olhamo-nos cada vez mais de perto e nossos olhos se tornam maiores, se aproximam uns dos outros, sobrepõem-se, e os cíclopes se olham, respirando confundidos, as bocas encontram-se e lutam debilmente, mordendo-se com os lábios, apoiando ligeiramente a língua nos dentes, brincando nas suas cavernas, onde um ar pesado vai e vem com um perfume antigo e um grande silêncio. Então, as minhas mãos procuram afogar-se no seu cabelo, acariciar lentamente a profundidade do seu cabelo, enquanto nos beijamos como se tivéssemos a boca cheia de flores ou de peixes, de movimentos vivos, de fragrância obscura. E se nos mordemos, a dor é doce; e se nos afogamos num breve e terrível absorver simultâneo de fôlego, essa instantânea morte é bela. E já existe uma só saliva e um só sabor de fruta madura, e eu sinto você tremular contra mim, como uma lua na água”.

Julio Cortazar

2012-01-30T17:07:00.001-08:00

vazio inexorável

2012-01-30T10:55:00.001-08:00

com a tristeza colada na retina

2012-01-28T12:03:00.000-08:00

E ao mesmo tempo que sua beleza física explode, ela fecha-se, no claustro de seu amor, que quer só para ela porque, de repente, tudo fica frágil, imensamente frágil.

Trecho de A mulher segundo Vinicius

2012-01-23T10:12:00.000-08:00

Um dia

Quem sabe

Trago notícias de nós
Neste país que não existe

Deixei-me
Esqueci de mim
Caí

assim

Como o sol se põe

Veja

São meus olhos que te respiram

No silêncio lento
Das madrugadas

Onde trago
Uma dor contínua

Quase doce
que me faz companhia

2012-01-13T12:45:00.000-08:00

Meus olhos são sinais através dos muros
Os olhos que não encontro
São seus

Seu sorriso, sua pele, seu caminho

Espelho
a raiz do seu sonho

são as esquinas, essas espirais do medo

roubo tua imagem
miro os seus olhos, seu sorriso, sua pele

entre a noite e o vento
invento uma língua
um país que não existe

refaço a cartografia da memória

escrevo para não existir mais

Asfotos-colagens foram tiradas nas ruas de Madri, na Espanha, em setembro de 2011

Lavoura Arcaica

2011-12-30T09:38:00.000-08:00

Lavoura Arcaica, de Raduan Nassar, é um dos livros mais bonitos que existem. Leitura obrigatória para aprimorar a escrita, a essência, o estado bruto das coisas que chamamos pelo nome delas. Amor, família, raiva, paixão, obsessão, dores.Raduan Nassar nasceu em Pindorama, São Paulo. Escreveu apenas Lavoura Arcaica (1975), Um Copo de Cólera (1978) e Menina a Caminho (1980). Porém, Lavoura Arcaica é arrebatador e de longe o melhor que escreveu.Nassar desistiu da literatura para criar galinhas em sua fazenda no interior de São Paulo. Por este motivo foi comparado a Rimbaud, que abandonou a escrita para viver como mercenário na África.Mesmo tendo escrito pouco, as palavras da sua obra são tudo o que poderia existir como literatura. Cito um dos trechos mais comoventes e precisos do seu livro: “ o tempo, o tempo, esse algoz às vezes suave, às vezes mais terrível, demônio absoluto conferindo qualidade a todas as coisas, é ele ainda hoje e sempre quem decide e por isso a quem me curvo cheio de medo e erguido em suspense me perguntando qual o momento, o momento preciso da transposição? que instante, que instante terrível é esse que marca o salto? que massa de vento, que fundo de espaço concorrem para levar ao limite? o limite em que as coisas já desprovidas de vibração deixam de ser simplesmente vida na corrente do dia a dia para ser vida nos subterrâneos da memória;” Publicado na Ideias

2011-12-28T09:49:00.000-08:00

Anoiteço
No seu silêncio
Sem perceber
amanheço

Sagaz Silvia

2011-12-23T12:18:00.000-08:00

Foto: Fernando José

Silvia Wy’a Poty é dançarina e psicóloga — com especialização em Psicologia do Corpo — e desenvolve um trabalho focado na investigação e na prática artística e terapêutica baseada na conexão corpo/mente e suas associações com ecologia, psicologia, ciência e arte.

O nome artístico Wy’a Poty — recebido em cerimônia indígena brasileira — traduz a outra face de sua pesquisa, integrando a conexão corpo/dança às tradições ancestrais e à ecologia pessoal — por meio de estudos milenares e contemporâneos com base na meditação e na consciência quântica.

O resultado desta pesquisa vem sendo transmitido e divulgado há mais de dez anos por meio de espetáculos e oficinas realizados nas secretarias de cultura do Paraná e em eventos internacionais, como na Espanha e Áustria. Em 2011, ministrou oficinas de dança e preparação corporal para G2 — Cia de Dança do Teatro Guaíra de Curitiba.

Quem vê Silvia e sua dança hipnótica com fogo, logo percebe que sua arte chega onde ela quer. E vai muito mais além.

Publicado na Ideias 122

Jornada em espiral

2011-12-22T12:19:00.000-08:00

Foto: Liu di Hara

Cleverson Oliveira é artista plástico. Estudou e obteve o bacharelado em Escultura pela Escola de Música e Belas Artes do Paraná.

Em 1995, dirigiu o premiado vídeo “Pías do Zodíaco”, com participação de José Mojica Marins e co-direção de Artur Ratton Kummer e Tulio Viaro. Por 12 anos viveu em Nova York, onde estudou História da Arte na New York University e fotografia com o artista Vik Muniz. Em 2001, viu o ataque às Torres Gêmeas, que o levou a desenvolver projetos a na área da música, performance, cinema e teatro e especialmente artes plásticas. Seus trabalhos receberam críticas positivas.

Em 2005, Cleverson decide realizar algo que em seus primeiros anos de América estavam apenas no papel: uma viagem saindo de Nova York percorrendo o continente Americano até a Patagônia, adentrando o Brasil por Uruguaiana, pelo Rio Grande do Sul até sua cidade natal, Curitiba. O detalhe que faria uma grande diferença é que a viagem foi feita quase que inteiramente de ônibus. Desta experiência surgiu uma série de trabalhos intitulada “Fronteiras: Uma Jornada pelas Américas”.

Atualmente está na pesquisa e pré-produção do que acredita ser uma das mais audaciosas aventuras de sua carreira - uma ópera sobre a neurociência e as teorias do botânico e antropólogo Terence Mckenna enunciadas em seu texto “Em Busca da Árvore do Conhecimento”. A estreia aconteceu em novembro num local que o artista chama de “espaço satélite da cidade e da arte”, planejado e executado por ele na Serra do Mar, em plena Mata Atlântica, perto de Curitiba.

Publicado na Ideias 122

À caça de tendências

2011-12-21T12:21:00.000-08:00

Andrea Greca Krueger e Paula Abbas são sócias da BERLIN, uma assessoria tática e operacional que tem como foco a análise de tendências, que inclui o coolhunting como prática de pesquisa e permite desvendar o que está por trás dos acontecimentos urbanos e entender expressões, atitudes e fluxos sociais que podem ser transformados em produtos e filosofias empresariais de vanguarda, alinhados ao mundo contemporâneo. Poderosa arma para combater a imprevisibilidade no planejamento estratégico.

Além disso, elas são responsáveis pelo curso de Coolhunting e Pesquisa de Tendências da Lemon School, que está na quarta edição, e pelo blog Soma in Kinderland, um dos top 5 em tendências no ranking mundial Networked Blogs do Facebook.

Pioneira em pesquisa e análise de tendências no Sul do Brasil, a BERLIN comemora o sucesso do segundo ano de atuação com projetos para marcas como Nike, Jasmine e Natura, além de levar seu expertise em forma de palestras e cursos a outros estados como Santa Catarina, Distrito Federal, Goiás e Minas Gerais.

Além de tudo isso, a dupla estreia nesta edição uma coluna na Revista Ideias para o leitor saber todo o mês o que será tendência no planeta.

Publicado na Ideias 122

2011-12-19T06:16:00.000-08:00

"Palavras, frases, sílabas, astros que giram ao redor de um centro fixo. Dois corpos, muitos seres que se encontram numa palavra. O papel se cobre de letras indeléveis, que ninguém disse, que ninguém ditou, que caíram ali e ardem e queimam e se apagam. Assim, pois, existe a poesia, o amor existe. E se eu não existo, existe você."

Octavio Paz

2011-12-14T09:04:00.000-08:00

Sejamos metódicos, vamos resumir, organizar o pequeno caos da nossa vida

carta de Cortázar para Eduardo (Roma, 15 de janeiro de 1954)

Película de precisão cirúrgica

2011-12-13T11:25:00.000-08:00

A pele que habito, último filme de Pedro Almodóvar, é econômico e ao mesmo tempo transborda. Lá estão todos os personagens do cineasta, seus dramas e contradições. Mas você não encontra o Almodóvar óbvio, colorido, excessivo. Nada é excesso em seu filme. Com narrativa limpa, quase asséptica, o cineasta consegue montar um drama que questiona sexualidade, identidade, ética, mudança corporal. Por meio desses temas subverte o sentido e cai no afeto. Lugar onde não existe escolha nem ética.

O ator Antonio Banderas volta a ser dirigido por ele, parceria que se iniciou em 1982 e rendeu cinco filmes até 1990, como em “Mulheres à Beira de um Ataque de Nervos” (1988) e “Ata-Me” (1990). Banderas está exato no papel e seu idioma nativo faz seu personagem crescer ainda mais.

A trilha sonora de Alberto Iglesias pontua com precisão cirúrgica a tensão que permeia a história. Algumas cenas lembram seus outros filmes como “Áta-me” e “De Salto Alto”, e também Alfred Hitchcock. Todavia Almodóvar consegue ser milimetricamente Almodóvar.

Publicado na ID 122

A outra face de Marilyn

2011-12-12T10:26:00.000-08:00

"Fragmentos - Poemas, Anotações Íntimas, Cartas" são escritos da diva Marilyn Monroe. A maioria cobre toda a década de 50, período em que sua vida pessoal foi marcada por casamentos malsucedidos, insegurança, melancolia e barbitúricos.

A obra causou estardalhaço nos Estados Unidos e na Europa, mas não traz nada polêmico sobre a atriz, porém revela um lado mais íntimo de Monroe.

"Este livro é a outra face da Lua." A definição certeira está no prefácio do escritor italiano Antonio Tabucchi.

Fragmentos - Poemas, Anotações Íntimas, Cartas
Autora: Marilyn Monroe
Organização: Stanley Buchtal e Bernard Comment
Editora Tordesilhas

Publicado na ID 121

Haruo Ohara

2011-12-05T09:40:00.000-08:00

Haruo Ohara (1909-1999) cultivou o campo e com sensibilidade utilizou a fotografia para registrar a luz e construir formas abstratas a partir de volumes e texturas de objetos e da natureza presentes em seu dia a dia. Produziu também marcantes imagens documentais e humanistas da família, da região e de seu trabalho associado à abertura da nova fronteira agrícola no Norte do Paraná.

2011-11-23T12:41:00.001-08:00

Sábios em vão
Tentarão decifrar
O eco de antigas palavras
Fragmentos de cartas, poemas
Mentiras, retratos
Vestígios de estranha civilização

Chico Buarque

A criativa Luciana

2011-11-20T12:23:00.000-08:00

Foto:Claudia Serathiuk

O Estúdio Duas Formigas é o laboratório de criação da designer Luciana Muniz. Lá ela encontra soluções de design gráfico e produto para clientes ligados à moda, gastronomia, educação, cultura, design e arte. Criação de marcas, projetos de identidade visual, impressos, criação e desenvolvimento de sites e projetos de produtos, como atualmente o desenvolvimento de produtos pet são o forte do estúdio. Luciana apoia o grupo de proteção animal Tomba Latas. Fez a marca e todo o material de divulgação do primeiro ano. O sucesso foi tão grande que hoje o grupo tem vários designers e artistas apoiadores. Por este motivo, abriu outro mercado: o Design Pet.

Logo estreia na web A Dama e o Cachorrinho, título de um conto de Tchekov, inspiração para a loja de produtos de design com o tema cão, ou seja, produtos para humanos inspirados no cão, camisetas, livros, literatura, luminárias, buttons, etc, e também produtos para o cão. O slogan é “design de estimação e um dono babão”.

Tudo para o cão e o dono. Muitos dos produtos foram desenvolvidos pelo Duas Formigas e levam a marca da A Dama e o Cachorrinho, produto novo no mercado pet no Brasil. Luciana cria tudo com uma pitada de infância e humor.Para conhecer mais: www.duasformigas.blogspot.com.

Publicado na Ideias 121

Território Habitável

2011-11-07T06:01:00.000-08:00

Retrato feito em um manicômio de Buenos Aires por Sara Facio e Alicia D`Amico. A série é chamada Humanario. As artistas estão no livro Territorios, de Julio Cortázar

No livro Territórios, de Julio Cortázar, série de textos sobre artistas que admirava e o influenciaram, ele escreve: “Cada uma destas páginas é um ato de gratidão e um novo impulso para não esquecermos que temos que fazer. Eles me obrigaram a aceitar a liberdade como único território habitável.”

Vem à tona um pensamento intrínseco e indissociado de qualquer linearidade palpável. Como uma busca, uma bússola, sigo esse território habitável que Cortázar cita. Caminho árido e solitário, todavia define um sentido. Por sobrevivência, por intuição ou por presságio. Só acontece, essencialmente, quando há liberdade.

No território do não, da aridez absoluta das ideias, da inutilidade de qualquer palavra não pensada, a transposição só é possível porque é preciso continuar. Talvez um ato de rebeldia, de não aceitação, de subverter o que é imposto. Nessa fresta acontece a fluidez, o faro, a seta.

Nesse jogo, ou acaso, destino, espaço entre silêncios, quebra-cabeças, se instala o poder da palavra. Que nada tem de casual ou aleatório. É essencial, permanente, é o que realmente importa. Causa e efeito, matemática do azar, lance de dados.

Simetria composta de contraponto, mistério e antagonismos sutis. Perceber, mais, reconhecer, faz parte desse mundo atemporal.

Nessa cartografia dos sentidos, dos mapas rabiscados na pele, do que permanece como sonho quando é preciso acordar, a escrita se torna a saída, a salvação ou a loucura em estado bruto.

Por isso, seguir, continuar, fazer. Aceitar, sobretudo, a liberdade como único território habitável.

Publicado na Ideias 121

2011-10-29T12:21:00.000-07:00

Arquitetura da palavra
Sem ela nada feito
desenho na pele
senão o silêncio
Mais que perfeito

Notas sobre um percurso compartilhado

2011-10-26T04:59:00.000-07:00

guapuruvu 3 (Nomad Mansions Series)

A higher definition file of this drawing, 2005, graphite on paper, 30x30cm on 70x50 cm paper size.

Francisco Faria

Conheci a poesia de Josely Vianna Baptista imediatamente antes da publicação de seu primeiro livro, Ar, pela Editora Iluminuras, de Samuel León, em 1991. Havia voltado ao Brasil depois de anos de trabalho no exterior e havia reencontrado Josely, por acaso, na coordenação de editoração da Secretaria de Estado da Cultura do PR. Havia muitos anos, ainda nos tempos da universidade, eu a conhecera e descobrira, meio atônito, ser ela a tradutora para o português do Paradiso de Lezama Lima, romance de uma beleza irradiante e de uma linguagem gongórica, sendo o trabalho de trazê-lo para a nossa língua um feito de dimensões quase épicas. Surpreendeu-me, naquela época, que tal empreitada tivesse sido feita por uma pessoa tão jovem, o que já evidenciava uma capacidade incomum, uma visão de risco de corte inteiramente artístico, uma compreensão quase inata dos recursos poéticos da língua portuguesa, um senso de medida para dar às imagens uma concisão e acuidade que reverberavam na escrita e no som das palavras. Nos anos subsequentes ela se firmou como uma das mais talentosas tradutoras de literatura e poesia hispânica e hispanoamericana (na opinião de alguns escritores, como Wilson Bueno, como a mais brilhante tradutora de textos literários do espanhol que conseguimos ter). Hoje, depois de quase uma centena de títulos traduzidos para as maiores editoras brasileiras, e de um prêmio Jabuti pela tradução de poemários de Borges, Josely é reconhecida como aquela tradutora que consegue verter para a nossa língua textos de uma dificuldade ímpar com correção quase microscópica, e que, além disso, encontra neles a sonoridade e a personalidade adequadas para fazê-los reviver em português.

Porém, quando a reencontrei, naquela oportunidade em que ela me mostrou os manuscritos de Ar, minha surpresa, perante uma carga de invenção de um calibre diverso, foi de uma qualidade muito mais substantiva. Primeiramente, saltava aos olhos a maneira como ela apresentava os textos da maioria dos poemas: as letras espaçadas umas das outras como se donas de um significado próprio, como se indivíduos de uma constelação de outras letras na página impressa, que só após os instantes iniciais desvelam-se , lentamente, em vocábulos e depois em frases e, finalmente, em poemas. Soube por ela que a intenção não era somente plástica, mas também funcional, a de quebrar o ritmo da leitura e forçar uma nova “respiração” da fala que a acompanha, mesmo mentalmente. Ar, o nome do livro, nesse sentido, era um título perfeito, pois não somente referia esses aspectos do texto como impregnava-se, já no início do livro, da noção de alento vital, na dedicatória ao mesmo tempo transcendente e martirizada da poeta, “à liga da palavra-alma dos Guarani – ñe'eng – e a seus suicidas”. Naturalmente, para um artista plástico, essa “descoberta” de uma nova organização espacial da escrita já seria significativa (lembro-me da mesma reação surpresa de Antonio Dias, na Bienal de São Paulo de 1994, quando lhe apresentei o livro de Josely com esses poemas que ela chama de “aerados”). Mas além disso, havia ali, submerso na rarefeita atmosfera gráfica com que esses poemas eram apresentados, um trabalho com a língua e com a linguagem capaz de criar imediatamente relações sinestésicas entre o texto e as imagens criadas. Finalmente, as próprias imagens eram de uma beleza extraordinária, espécie de alucinação dos sentidos que transportava a imaginação para uma fronteira em que a contemplação não perdia o foco, mas reverberava numa esfera quase metafísica – dois exemplos que me ocorrem, imediatamente, são estes seus poemas:
a m o r a m a s o m b r a n a
m o r a d a d o i p ê p é t
a l a s t e m p o r ã s , e e u
t e b e i j o e n q u a n t o
f i g o s c a e m d o c é u
c o m o c o m e t a s

n a m a d r
u g a d a a
g u d a q u
a l a d a g
a a á g u
a p i n g a

A aparição daqueles textos na minha frente, nos manuscritos que ela me entregara meio timidamente para ler, deixara-me aturdido. Não conseguia abarcar o tamanho do panorama que se alargava naqueles papéis impressos. Não eram somente as evidentes qualidades do texto, da sua criação e da sua poesia e da sua estrutura, mas, de um modo totalmente inusitado, havia ali também uma temática que – indo de uma visão amorosa de momentos diversos de um cotidiano transfigurado pelos sentidos, a reflexões que referiam o universo das culturas ameríndias – tinha uma evidente ponte para dialogar com meu próprio trabalho artístico, que já estava imerso num imaginário que pulsava entre visões de paisagens da natureza brasileira e as imagens surgidas dos relatos dos tempos da descoberta, de uma qualidade quase onírica, para trazer à paisagem natural uma beleza própria das visões de um paraíso na Terra, de um paraíso perdido. Mas de um paraíso selvagem, arredio, e incomensurável, sem muita descrição ou narrativa possível. Um paraíso sem história exceto aquela dos sentidos, da memória dos sentidos, e, nesse particular, expresso numa fatura gráfica de intensidade e resolução muito pessoais e personalizadas, que o aproximavam, de certo modo, da temperatura mais íntima daquele trabalho poético. Se me permito essa digressão sobre o meu próprio trabalho artístico é para mostrar as conexões com os poemas de Josely que me eram evidentes. Entre a temática do imaginário ameríndio que ela sinalizava e a visão da paisagem de uma natureza arquetípica, que se situava entre o onírico e o real havia, então, uma ponte. Havia o espaço e havia o “ar”. E havia um calor amoroso na sua construção do texto, tal como na minha construção da imagem. E havia, então, esse acontecimento totalmente inusitado. Convidá-la para desenvolver um trabalho conjunto foi uma consequência quase inevitável disso tudo. Nem mesmo sabíamos como desenvolver o trabalho, não tínhamos proposta nenhuma, mas me era evidente que havia um extenso campo de diálogo entre ambas as criações artísticas.

Foi assim que, nem mesmo Ar havia sido lançado, o futuro Corpografia já havia nascido, fruto da vizinhança dos trabalhos criados. Efetivamente, Corpografia (autópsia poética das passagens), o segundo livro de Josely, veio à luz pouco mais de um ano depois, após um período de atividade intensa em que ambos criamos um método de trabalho que veio a se consolidar durante os anos subsequentes. O “método” era, na verdade, a interpenetração de texto e imagem, elaborados de maneira independente um do outro, e organizados em grandes conjuntos, ou séries, de imagens e poemas. Em Corpografia, Josely continuou sua experiência com a "aeração" dos textos, radicalizando-a em grandes retângulos de letras que ocuparam todo o espaço das páginas. O trabalho, reinterpretado para um contexto das artes visuais, ganhou várias instalações no Brasil e no exterior, tendo uma delas chegado à Bienal de Havana em 1994, com os textos ocupando, naquela forma “aerada”, toda a extensão das paredes, transformadas em símiles das páginas do próprio livro. A arte visual, constituída de grandes desenhos e montagens que se utilizavam de fotos trabalhadas, desenhos e painéis de laca brilhante, pontuava o interior do espaço desse grande “livro” criado no espaço expositivo.

Corpografia foi o início de um work in progress que perdurou por mais de uma década e meia, e resultou ainda num segundo trabalho, Os poros flóridos, que ganhou várias versões em livro no Brasil e no exterior, tendo sido primeiramente publicado no México, pela Aldus (a edição trazia o texto integral, inédito, em português, e a tradução ao espanhol realizada por Reynaldo Jiménez e Roberto Echavarren), e depois nos EUA, pela 1913 Press (em tradução de Chris Daniels). Poros, como sucintamente o chamávamos, somente ganhou sua publicação integral no Brasil anos mais tarde, em 2007, ao integrar a edição de Sol sobre nuvens, o livro que Haroldo de Campos convidou Josely a editar na coleção Signos, da Editora Perspectiva. Haroldo não chegou a ver o livro concluído, e a edição foi a lume sob a coordenação de Augusto de Campos, que o coroou com uma bela e importante apresentação do trabalho de Josely.
Poros foi uma experiência diferente: já não mais havia os poemas aerados de Ar e Corpografia, mas os textos, em blocos isolados, flutuavam na página. Várias vozes interpenetravam-se, e Josely usou as páginas do livro aberto como uma espécie de projeção em planta de um palco onde as vozes, ali representadas pelos blocos isolados de texto, estariam situadas. Continuava a trabalhar, assim, um método de organização plástica do texto, e a continuidade da presença estrutural desse elemento plástico, agora em outra chave, presente nos dois livros anteriores. Os poros flóridos ganhou várias instalações em galerias e museus e fez seu percurso dentro do circuito das artes plásticas, tendo chegado à exposição Naturalezas Conjuradas no Instituto Wifredo Lam, em Havana, sob a curadoria de Magda González-Mora e Eugenio Valdés Figueroa.

A partir de meados dos anos 2000 eu e Josely começamos a reunir em livro e exposições o conjunto desse trabalho verbo-visual desenvolvido por mais de uma década. Efetivamente, Sol sobre nuvens, da Signos, traz a reunião dos seus primeiros livros e ainda poemas inéditos. Por seu turno, o projeto Moradas nômades/Fímbrias, que desenvolvi junto com Josely e com o poeta Luis Dolhnikoff, foi concebido para duas grandes exposições no Instituto Tomie Ohtake, em São Paulo, e no Museu Oscar Niemeyer, em Curitiba, e nele eu e Josely apresentamos uma síntese dos vários projetos poético-visuais que desenvolvemos nos anos anteriores, e, pela primeira vez, tentamos uma aproximação do que seria o futuro Roça barroca, com séries inteiramente dedicadas a “Moradas nômades” (que deu título ao projeto) e a “Do zero ao zênite”. Alguns desses poemas de Josely foram também incluídos em The Oxford Book of Latin American Poetry (Oxford University Press, 2009. Org. Cecilia Vicuña e E. Livon-Grosman), antologia que cobre 500 anos da poesia do continente, indo de escritos maias anônimos do século XVII aos dias atuais, e na qual é a única representante brasileira de sua geração.

Roça barroca, o presente livro, nasce como consequência poética desse trabalho que Josely, de maneira paciente e rigorosa, desenvolveu por mais de 15 anos. Fiel ao percurso já iniciado em Ar, e desenvolvido nos trabalhos subsequentes, Roça barroca foi inicialmente pensado como um arco narrativo cujo percurso unia aquela transfiguração de momentos do cotidiano (que, justamente, se iniciava na “roça” que mantivemos nos fundos dos quintais da casa em que moramos no interior do Paraná, e que por anos foi objeto de cuidados dela e do nosso filho Pedro Jerônimo, que cresceu escolhendo o que ali queria cultivar e o que dali colhia para preparar seu almoço) e estendia-se unindo passado e presente, natureza e cultura, numa síntese poética de um trabalho que sempre refletiu o impacto da perspectiva ameríndia sobre o imaginário da criação dos mitos fundadores das Américas. E, claro, do impacto que esse trágico encontro de civilizações acaba por desferir na sobrevivência dos povos ameríndios e da cultura ameríndia, lato senso. Imageticamente, Roça foi concebido por Josely, então, como um lento aprofundamento na natureza, na história e na cultura, criado in media res, que se iniciava em cenas do cotidiano que lentamente, como num mergulho de memória e imagens transfiguradas, transportariam a voz poética da autora aos aspectos cada vez mais sombrios da natureza em lenta desagregação (como em “Ostro” e “Dois Rios”) e ao cotidiano ameríndio (como no tableau de um tríptico formado por “Cortejo noturno”, “29 dias” e “Coix lacryma”), já aí situado numa esfera quase atemporal, para finalmente mergulhá-lo em quadros que simbolizam o drama do encontro disruptivo de civilizações em cenas situadas no decurso dos séculos da Conquista (como em “Antônio de Gouveia, clérigo em Pernambuco”).
Uma seção final, profética e transfigurada, também foi imaginada como metáfora de uma resistência da memória e persistência dos afetos (pelo menos um poema foi assim concebido, "salso argento"). Fiel a esse seu imaginário poético, Josely elaborou um projeto alentado para dar voz ao momento da “contraconquista”, já preconizado pelo programa cultural que muitos dos criadores brasileiros e hispanoamericanos, de maneiras diversas mas congruentes, procuram criar nas Américas (e nesse arco podemos incluir o mencionado Lezama Lima, como o nosso Oswald, com seu ideário antropofágico).

No decurso da resolução do livro, Josely resolve, apropriadamente, incorporar a tradução dos 3 primeiros cantos do Ayvu rapyta, os cantos sagrados dos povos guaranis que narram a criação do mundo, que ela já iniciara sob os auspícios da Bolsa Vitae de Artes, e que ganhou sua forma final, depois de minuciosa elaboração, para a presente edição. Esse trabalho surgiu ao longo do final dos anos 1990, quando por meses desenvolvemos um trabalho junto aos Guarani da Reserva de Ocoí, nas imediações da Tríplice Fronteira. Por longo tempo, a presente forma com que os cânticos do Ayvu hoje são cantados pelos indígenas (a base oral de transmissão do mito supõe essas modificações e incorporações, numa construção dinâmica do relato) foi comentada pelo então cacique mbyá Teodoro Alves a Josely, que a confrontou com a versão já clássica coletada por Cadogan. Como grande tradutora que sempre foi, Josely produziu a primeira versão verdadeiramente poética desses cânticos sagrados para nossa língua natal. Esse inusitado e ousado trabalho de tessitura da filigrana de sonoridades dos cantos indígenas em sua recriação no português, ganhou, entre outras, uma elogiosa apreciação de Bartomeu Meliá, conhecido não somente por sua erudição no que tange a essa temática, como por seu intransigente rigor.
Roça barroca, projeto premiado com uma bolsa de criação do Programa Petrobras Cultural, e que agora é dado à estampa pela Cosac Naify, acaba se configurando como o primeiro grande passo dessa síntese que a autora imaginou no início de seu projeto poético/político, que combina invenção artística, intervenção cultural, diálogo multidisciplinar e revisão (senão reavaliação) de nossa herança cultural. Apenas uma instalação verbo-visual desse novo e importante trabalho veio a lume, na exposição que realizei no Largo das Artes, no Rio de Janeiro, em 2009. Fruto seminal, Roça barroca aí está e aí permanecerá, como na imagem da roça ameríndia transfigurada em um dos poemas do livro:

(...) tudo abandono, e, no entanto,
lá fora o pomar semeado
para os que agora cruzam
(trouxas vazias), um
por um, os onze mil
guapuruvus

Rio de Janeiro, outubro de 2011

Título: Roça barroca
Autor: Josely Vianna Baptista
Editora: Cosac Naify
Ano de publicação: 2011
Apresentação: Augusto Roa Bastos
Foto da capa: Miguel Rio Branco
Apoio: Petrobras Cultural

Guta vai além

2011-10-20T12:26:00.000-07:00

Foto: Dico Kremer

Não se engane com essa menina. Maria Augusta Ribas é jovem sim. É bonita sim. E talentosa também. Muito? É, mas ela pode.

Formada em design, Guta é ligada em tudo o que existe de mais moderno no mundo. As últimas novidades em design, objetos, moda, formas e conteúdos Guta sabe.

E não para. Faz planos e enxerga além.

Em 2010, fez um curso de História na conceituada escola Bauhaus, Alemanha. Depois, um workshop de Sustentabilidade do Politécnico de Milão.

Este ano vai a Firenze para um curso de História da Arte.

Ano que vem, o plano é fazer a pós-graduação na Bauhaus, no curso de Design Sustentável em Weimar na Alemanha.

Guta já sabe o que quer no futuro.Trabalhar como designer de produtos conceituais e sustentáveis, criar seu próprio escritório, “quem sabe no exterior mesmo ou no Brasil”.

E tem mais. Quer se formar em jornalismo. Além de gostar muito de “história da arte, fotografia e antropologia”.

E arrebata: “vou ‘dançar conforme a música’. Mas sempre focada no design.”

Publicado na Revista Ideias

2011-10-16T11:08:00.000-07:00

"Não seja escravo do passado - mergulhe em mares grandiosos, vá bem fundo e nade até bem longe; você voltará com respeito por si mesmo, como um novo vigor, com uma experiência a mais, que vai explicar a anterior e superá-la. "

Ralph Waldo Emerson

Encontrei- o em dois lugares distintos, na diferença de um dia.

Bailarina

2011-10-16T10:04:00.000-07:00

Foto de Fernando Lemos - Série Bailarinas

Novos mundos ao mundo

2011-10-15T09:12:00.000-07:00

Em 1499, Vasco da Gama, em glória, voltava a Lisboa de sua aventura indiana que os despertou para o Outro e deu “novos mundos ao mundo”. Mas foi em setembro de 1822 que Pedro de Alcântara, príncipe regente do Brasil, disse às margens do Ipiranga: “Brasileiros, de hoje em diante nosso lema será: Independência ou morte”. E assim foi batizada a amálgama entre os dois países. Assim chego, assim o recebo, porém, ao inverso. Quem chega ao novo mundo sou eu. O novo velho mundo.

Passo pela poesia escrita nas ruas, no concreto, nas calçadas. Impressa para a passagem, para a pausa, para a vida quando precisa ser parada e pensada na correria dos dias.

A música ecoa nas praças, na cadência que une a palavra com o ritmo, e de novo vira poesia. Bela Lisboa, com sua brisa leve, seu paladar aguçado, sua elegância.

Parto para a Espanha. Muda tudo. A efervescência das ruas, das pessoas, do acento enfático pronunciado nas palavras. Letra por letra. Intenso, bravo, altivo. O que impera é o ritmo das castanholas na postura soberba das pessoas. Entro em uma livraria e encontro Cortázar, de cara. Saio com dois exemplares raros: Territórios, (1979), textos sobre artistas que ele admirava e o influenciaram e Fantomas contra los vampiros multinacionales, (1975), uma história em quadrinhos. O dono da livraria, um senhor madrileno, muito atento ao meu interesse pelo autor, me dá um marca livros com um palíndromo intraduzível e uma foto de Cortázar que diz:

Amigo no gima
Adán y raza, azar y nada
Salta, Lenin el Atlas
Átale, demoníaco Caín, o me delata.

Sincronicidades, acaso, destino. Todos os fogos o fogo. O nome de tudo que faz sentido. O sentido do que não se explica, do que não é palpável, do que é apenas sonho. Lume brando.

A embriaguez do clima traz à tona todos os pensamentos. Vira de cabeça pra baixo as linearidades, as certezas. E a vida muda. Entorpecida pela arquitetura, pelas ruas, pela língua e pelo ritmo invado um outro mundo. A memória tingida de rubro segue os setembros. Violentamente doce.

Sigo viagem. Dessa vez, para outro lado do mundo. Chego à Grécia. As cores acontecem como se nunca as tivesse visto. O azul, o branco, o vermelho e o negro. A aridez da paisagem mesclada com os sinos dos animais transforma tudo em algo surreal. A transparência do mar lembra o título da obra de José Saramago para crianças: “O silêncio da água”.

Volto imersa na poesia, nos sons, nos sentidos. Nada traduz melhor o que me despertou ao novo mundo do que a frase de Fernando Pessoa, do Livro do Desassossego:

“O coração, se pudesse pensar, pararia”.

Publicado na ID 120 - outubro

2011-10-13T16:19:00.000-07:00

...vi a circulação do meu sangue escuro, vi a engrenagem do amor e a transformação da morte, vi o Aleph, de todos os pontos, vi no Aleph a Terra, e na Terra outra vez o Aleph e no Aleph a Terra.

vi meu rosto e minhas vísceras, vi teu rosto, e senti vertigem e chorei, porque meus olhos tinham visto aquele objeto secreto e conjectural cujo nome os homens usurpam mas que nenhum homem contemplou: o inconcebível universo.

O Aleph, Jorge Luis Borges

Territórios

2011-09-29T12:14:00.000-07:00

Territórios, Julio Cortázar (1978), ainda sem tradução para o português, é uma homenagem do autor a todos os artistas que admirava. Cortázar escreve ensaios poéticos, críticos e literários, construindo uma ponte dificílima entre o pensamento crítico e a imaginação poética.

Lá estão o pintor belga Alchinsky, o argentino Leo Torres Agüero e o mexicano Leonardo Nierman. A dançarina dramática Rita Renoir. O desenhista austríaco Aloys Zötl. O uruguaio Leopoldo Novoa. Guido Llinás, cubano que faz gravações em madeira. O escultor Julio Silva o belga Reinhoud. Litografias de Antonio Saura. Jean Thiercelin, poeta e pintor, as fotógrafas Sara Facio e Alicia D´Amico, o artista plástico Luis Tomasello, o belga Adolfo Wölfli e o poeta argentino Hugo Demarco.

Para Cortázar, esses artistas o fizeram aceitar a liberdade como único território habitável.

Publicado na ID 120 - outubro

Ideias: leia para saber

2011-09-29T12:00:00.000-07:00

Kamari Beach listening Cash

2011-09-28T08:10:00.000-07:00

Red and White Beach

2011-09-27T13:16:00.000-07:00

Anoitece em Oia

2011-09-27T12:40:00.000-07:00

Sunset - Oia

2011-09-27T12:35:00.001-07:00

Koulumpus Beach

2011-09-27T12:14:00.000-07:00

Ilha Grega

2011-09-27T12:08:00.000-07:00

Santorini - Grécia

2011-09-27T12:05:00.000-07:00

La Boqueria - Barcelona

2011-09-27T11:44:00.000-07:00

La Boqueria - Barcelona

2011-09-27T11:40:00.000-07:00

Parc de la Ciutadella

2011-09-27T10:03:00.000-07:00

Igreja Gótica - Barcelona

2011-09-27T09:57:00.000-07:00

Igeja Gótica - Barcelona

2011-09-27T09:47:00.000-07:00

Sagrada Família

2011-09-26T15:27:00.000-07:00

Antoni Placid Gaudí i Cornet (Reus ou Riudoms, 25 de junho de 1852 — Barcelona, 10 de junho de 1926) foi um arquitecto catalão, um dos símbolos da cidade de Barcelona, onde se educou e passou grande parte da vida. Aparece como um arquitecto de novas concepções plásticas ligado ao modernismo catalão (a variante local da art nouveau).

Seus primeiros trabalhos possuem claras influências da arquitetura gótica (refletindo o revivalismo do século XIX) e da arquitetura catalã tradicional. Nos primeiros anos de sua carreira, Gaudí foi fortemente influenciado pelo arquiteto francês Eugene Viollet-le-Duc, responsável em seu país por promover o retorno às formas góticas da arquitetura.

Com o tempo, entretanto, passou a adotar uma linguagem escultórica bastante pessoal, projetando edifícios com formas fantásticas e estruturas complexas. Algumas de suas obras-primas, mais notavelmente o Templo Expiatório da Sagrada Família possuem um poder quase alucinatório.

Gaudí é conhecido por fazer extenso uso do arco parabólico catenário, uma das formas mais comuns na natureza. Para tanto, possuía um método de trabalho incomum para a época, utilizando-se de modelos tridimensionais em escala moldados pela gravidade (Gaudí usava correntes metálicas presas pelas extremidades: quando elas ficavam estáveis, ele copiava a forma e reproduzia-as ao contrário, formando suas conhecidas cúpulas catenárias). Também se utilizou da técnica catalã tradicional do trencadis, que consiste de usar peças cerâmicas quebradas para compor superfícies.

O templo da Sagrada Família é considerado a obra-prima de Gaudí.

Ridicularizado por seus contemporâneos, Gaudí encontrou no empresário Eusebi Güell o parceiro e cliente ideal, tendo sido praticamente seu mecenas.

Politicamente, Gaudí foi um fervoroso nacionalista catalão (ele foi certa vez preso por falar em catalão em uma situação considerada ilegal pelas autoridades). Em seus últimos anos, devotou-se exclusivamente à religião católica e a construção da Sagrada Família (obra nunca concluída).

Antoni Gaudí trabalhou essencialmente em Barcelona, a sua terra natal, onde havia estudado arquitectura. Originário de uma família não muito abastada, Gaudí tendeu para a procura do luxo durante a juventude; no entanto na idade adulta e no final da vida essa sua tendência diluiu-se por completo. Quando jovem aderiu ao Movimento Nacionalista da Catalunha e assumiu algumas posições críticas face à igreja; no final da sua vida essa faceta desapareceu também. Gaudí nunca se casou.

Em Barcelona a sua arquitetura assume foros de excepção, num ambiente essencialmente funcionalista de uma cidade de desenvolvimento industrial. Gaudí deixou-se influenciar por inúmeras tendências, não tendo nunca dedicado a sua arquitetura à tentativa de cópia de um estilo determinado. Uma das mais fortes influências que recebeu foi a de Viollet-le-Duc através do qual conheceu parte do seu gótico inspirador. Morreu aos 72 anos, vítima de atropelamento.

Fonte: Wikipedia

Sagrada Família

2011-09-26T15:21:00.000-07:00

Bairro Born - Barcelona

2011-09-26T15:16:00.000-07:00

Barcelona - Bairro Born

2011-09-26T15:12:00.000-07:00

Parque Güell

2011-09-26T15:00:00.000-07:00

O Parque Güell (em catalão Parc Güell, embora o seu nome original fosse Park Güell) é um grande jardim com elementos arquitetônicos que se situa na parte superior de Barcelona (Espanha), na vertente que olha ao mar da montanha de El Carmel, não longe do Tibidabo. Ideado como urbanização, foi desenhado pelo arquiteto Antoni Gaudí, máximo expoente do modernismo catalão, por encomenda do empresario Eusebi Güell. Construído entre 1900 e 1914, foi inaugurado como parque público em 1922. Em 1984 a UNESCO incluiu o Parque Güell dentro do Lugar Patrimônio da Humanidade «Obras de Antoni Gaudí».

O Parque Güell é um reflexo da plenitude artística de Gaudí: pertence à sua etapa naturalista (primeira década do século XX), período no qual o arquiteto aperfeiçoou o estilo pessoal, inspirando-se nas formas orgânicas da natureza, pondo em prática uma série de novas soluções estruturais originadas nas suas análises da geometria regrada. A isso acrescentou uma grande liberdade criativa e uma imaginativa criação ornamental: partido de certo barroquismo as suas obras adquirem grande riqueza estrutural, de formas e volumes desprovidos de rigidez racionalista ou de qualquer premissa clássica.[1] No Parque Güell despregou Gaudí todo o seu gênio arquitetônico, e pôs em prática muitas das suas inovadoras soluções estruturais que serão emblemáticas do seu estilo organicista e que culminarão na Sagrada Família.

O parque foi concebido por Güell e Gaudí como um conjunto estruturado onde, dentro de um incomparável quadro de beleza natural, situar-se-iam umas moradias de alto standing, com todos os progressos tecnológicos da época para procurar o máximo conforto, com uns acabamentos de grande qualidade artística. Assim mesmo, idearam um conjunto impregnado de um forte simbolismo, já que procuraram sintetizar nos elementos comuns do parque muitos dos ideais tanto políticos como religiosos que compartiam mecenas e arquiteto: assim, serão perceptíveis no conjunto conceitos procedentes do catalanismo político –sobretudo na escadaria de acesso, onde se representam os Países Catalães–, e da religião católica –no Monumento ao Calvário, ideado em princípio como capela–. Também é importante o elemento mitológico: segundo parece, Güell e Gaudí inspiraram-se no Templo de Apolo (Delfos) para a sua concepção do parque.[2]

Por outro lado, numerosos expertos quiseram ver no parque múltiplas referências, devido à complexa iconografia aplicada por Gaudí ao conjunto do projeto urbanístico, referências que vão desde a reivindicação política até a exaltação religiosa, passando pela mitologia, a história ou a filosofia. Em concreto, muitos estudiosos pretendem ver referências à maçonaria, feito pouco provável devido às profundas crenças religiosas tanto de Gaudí quanto do conde Güell, e em todo caso não provado por nenhum indício objetivo em toda a historiografia do arquiteto modernista. A multiplicidade de símbolos desenvolvida no Parque Güell é, como se disse, de signo político e religioso, em todo caso com certo caráter de mistério devido ao gosto da época pelos enigmas e adivinhas.[3]

É neste parque que está situada a Casa-Museu Gaudí, embora esse edifício não pareça pertencer a este parque, pela sua traça completamente diversa das outras casas aí existentes.

A dimensão da obra, ficou muito aquém do inicial e ambicioso projeto.

De destacar a Gran Plaça Circular, que apresenta um banco a toda a sua volta, com cerca de 152 metros, coberto de mosaicos coloridos. Esta praça foi executada pelo arquiteto Josep Jujol, que era um dos principais colaboradores de Gaudí.

Logo a seguir a esse enorme balcão assente em colunas, e a uma cota inferior, podemos ver dois pavilhões construídos por Gaudí. Esses pavilhões cobertos de mosaicos, apresentam o estilo inconfundível de Gaudí.

Fonte: Wikipedia

Parque Güell - Gaudí

2011-09-26T14:58:00.000-07:00

Parque Güell

2011-09-26T14:52:00.000-07:00

Parque Güell - Móveis Casa Gaudi

2011-09-26T14:45:00.000-07:00

Parque Güell - Casa Gaudí - móveis

2011-09-26T14:37:00.000-07:00

Parque Güell - Gaudi

2011-09-26T14:30:00.000-07:00

Parque Güell - Gaudi

2011-09-26T14:23:00.000-07:00

Calle Barcelona

2011-09-26T13:56:00.000-07:00

La Pedrera - Gaudi

2011-09-26T13:51:00.000-07:00

Casa Milà, também conhecida como La Pedrera (catalão para 'A Pedreira'), é um edifício desenhado pelo arquitecto catalão Antoni Gaudí e construída entre os anos 1905 e 1907. Está situada no número 92 do Passeig de Gràcia (passeig é catalão para "promenade" ou "avenida") no bairro Eixample de Barcelona, Catalunha, Espanha. Foi construída para Roger Segimon de Milà. É parte do Património mundial da UNESCO, juntamente com outras obras de Antoni Gaudí.

Museu Picasso - Barcelona

2011-09-26T13:27:00.000-07:00

Calle Barcelona

2011-09-26T13:22:00.000-07:00

Fachadas - Barcelona

2011-09-26T13:18:00.000-07:00

Bizkaia

2011-09-26T13:13:00.000-07:00

Bairro Gótico - Barcelona

2011-09-26T13:08:00.000-07:00

Bairro Gótico - Barcelona

2011-09-26T13:05:00.000-07:00

Bairro Gótico- Barcelona

2011-09-26T12:35:00.000-07:00

Chic&basic - Born - Barcelona

2011-09-26T12:29:00.000-07:00

Paisagem trem bala Madrid-Barcelona

2011-09-26T12:26:00.000-07:00

Madrid - mestres

2011-09-26T12:18:00.000-07:00

Poesia na rua - Madrid

2011-09-26T12:02:00.000-07:00

Fachadas- Madrid

2011-09-26T11:57:00.000-07:00

Fachadas - Madrid

2011-09-26T11:53:00.000-07:00

Calle - Madrid

2011-09-26T10:11:00.000-07:00

Calle - Madrid

2011-09-26T10:07:00.000-07:00

Calle Madrid

2011-09-26T10:00:00.000-07:00

Calle - Madrid

2011-09-26T09:49:00.000-07:00

Calle - Madrid

2011-09-26T08:21:00.000-07:00

Yayoi Kusama - Reina Sofia

2011-09-26T08:06:00.001-07:00

Museu Reina Sofia terraço - Madrid

2011-09-26T07:57:00.000-07:00

Museu Reina Sofia - Madrid

2011-09-26T07:44:00.000-07:00

Reina Sofia - Madrid

2011-09-26T07:43:00.000-07:00

Reina Sofia

2011-09-25T17:57:00.000-07:00

Reina Sofia

2011-09-25T17:50:00.000-07:00

Reina Sofia

2011-09-25T17:45:00.000-07:00

Madrid Reina Sofia - Surrealistas

2011-09-25T17:07:00.000-07:00

Madrid - Real Jardín Botánico

2011-09-25T16:32:00.000-07:00

Lisboa - cafés, doces e pastéis

2011-09-25T16:13:00.001-07:00

Lisboa - Fachadas, Vistas e Telhados

2011-09-25T15:32:00.000-07:00

Lisboa - Baixa Chiado

2011-09-25T14:33:00.000-07:00

2011-09-23T07:02:00.001-07:00

make my world
make my words

Sob o sol de Copacabana

2011-09-23T06:57:00.000-07:00

O último filme de Woody Allen, “Meia-noite em Paris”, conta a história de um escritor que está em Paris para conhecer lugares onde estiveram os artistas e autores de que gostava. Ao inverso da história de Cinderela, que na badalada da meia-noite perde o status de princesa e a carruagem vira abóbora, o personagem do filme de Allen entra em um Peugeot antigo quando bate a meia-noite e cai na década de 1920, a “Era de Ouro”. Quando vê, está numa festa para o cineasta francês Jean Cocteau, ouvindo Cole Porter tocar piano e numa roda de conversa com Scott e Zelda Fitzgerald, Ernest Hemingway,T.S. Eliot e outros.

Gosto do meu tempo, apesar de todos os pesares. Porém, seria divertido abrir uma fresta e dar uma passeada por aí. Queria cair ali no Rio de Janeiro na década de 1960. Imagina, Rio de Janeiro, a capital do Brasil. Aquela beleza selvagem, sofisticada, feroz, deslumbrante. Assistir ao sol nascer, conhecer os mestres Tom Jobim e Vinicius de Moraes, tomar um uísque na beira do mar, no pôr do sol em Copacabana. E ter uma febre cáustica de causar vertigens. Pra que tanto céu, pra que tanto mar? Inútil paisagem.

Podia pular alguns anos antes e subir o morro para conhecer Cartola. Alvorada, lá no morro, que beleza. Ninguém chora, não há tristeza. Ouvir Mário Lago e Ataulfo Alves comporem, tantos outros. Cruzar com Nelson Rodrigues nos bares de então. Descobrir os primeiros acordes de Villa-Lobos. Meu avô paterno conviveu com Noel Rosa no Rio e o viu compor o samba “O orvalho vem caindo”. A música diz “A minha cama é uma folha de jornal” inspirada nas folhas de jornal que eles usavam para esquentar a cama quando mudavam as estações. E a cama não era necessariamente a tradicional, poderia ser também as mesas de sinuca, quando varavam as madrugadas na boemia e precisavam de um lugar para dormir, segundo os relatos do meu avô. Ele estava ali, ao seu lado, quando viu Noel rabiscar à caneta a letra num guardanapo. Chega de saudade.

Voltar com a memória tingida de sol, onde existia espaço para a música, para o samba, para a tristeza. Para a letra escrita no guardanapo. Para a poesia que inundava os varais, os céus e o mar. O tempo de hoje anestesiou tudo. Nada mais é preciso, nada mais é mais inútil, não existe mais tempo. A obrigação de estar alegre em tempo integral tirou a alegria de viver. E é preciso um bocado de tristeza, senão, não se faz um samba não.

Publicado na Ideias 119 - setembro 2011

2011-09-23T06:55:00.000-07:00

O coração, se pudesse pensar, pararia

Fernando Pessoa, Livro do Desassossego

O clima de Nova York é aqui

2011-09-20T12:28:00.000-07:00

Em 2005, depois de dez anos, Patricia Morais Soldati e Daniel Schmitt Carvalho se reencontraram em Nova York, e foi nesse cenário que surgiu a ideia de abrir um Coffee Shop em Curitiba.

A princípio este sonho que parecia tão distante foi se inspirando, primeiro nos famosos e deliciosos coffee shops de Seattle, cidade onde Daniel morou durante dez anos e onde o clima se parece muito com o de Curitiba. Depois, o dia a dia nova-iorquino imprimiu sua marca, seus lugares únicos, suas ruas, bairros cheios de história, bakeries, diners, restaurantes, e é claro os Coffee Shops.

Quando descobriram que estavam esperando uma filha finalmente decidiram que era hora de retornar e criar a pequena Isadora no Brasil. Em 2009, chegaram a Curitiba para colocar em ação seus planos de abrir o Brooklyn Coffee Shop.

O ponto, no bairro São Francisco, completou no fim deste mês um ano e já é um local de referência da cena cultural curitibana. Realiza uma vez por mês, o Dinner & A Movie, evento em que um chef faz o cardápio de acordo com o filme. Um sucesso desde a primeira edição. Com bom humor e ideias novas, o casal traz, com categoria, o clima nova-iorquino para Curitiba.

Publicado na Revista Ideias

La dolce Mariane

2011-08-25T12:30:00.000-07:00

Como se diz em Santa Felicidade, Mariane Biscaia é “da colognia”. Assim os italianos desse bairro chamam os filhos e netos dos imigrantes.

De descendência italiana por parte de mãe e alemã por parte de pai, Mariane tem uma tradicional herança culinária.

Seu avô, nascido na Alemanha, foi padeiro e confeiteiro da Padaria Aurora, uma das mais antigas casas de pães de Curitiba.

Sua mãe, Felicita Trevizan, comandou a cozinha do restaurante Cascatinha, de propriedade de sua família, por 30 anos. É de lá que vêm suas lembranças de infância e também os ensinamentos da saborosa culinária italiana.

A polenta crocante, os risottos e a cassarola da Felicita, receitas de sua mãe, fazem parte do cardápio do Fellini unindo a tradição do bairro com uma nova proposta de gastronomia para Santa Felicidade.

Formada em Publicidade e Propaganda, administra há 15 anos a loja de móveis Clafema, fundada por seus pais,
anexa ao café, localizada na Avenida Manoel Ribas.

A paixão pelo cinema e pela boa comida resultou no Fellini: simpático bistrô de influencia italiana com sobremesas artesanais e cozinha caprichada e saborosa.

Publicado na Revista Ideias

Borges

2011-08-24T11:17:00.000-07:00

"Parece-me fácil viver sem ódio, coisa que nunca senti. Mas viver sem amor acho impossível."

Jorge Luis Borges nasceu dia 24 de agosto de 1899.

Solda

2011-08-24T10:40:00.001-07:00

Sou é homem, mas de saia, salto alto e batom

2011-08-23T14:14:00.000-07:00

Crossdressers na Revista Ideias de junho

Sou é homem, mas de saia, salto alto e batom

PRYSCILA, A MULHER DE VERDADE

2011-08-23T14:12:00.000-07:00

Entrevista com Pryscila Vieira para a Revista Ideias de agosto -118

PRYSCILA, A MULHER DE VERDADE

Crônicas em tirinhas

2011-08-23T14:11:00.000-07:00

Publicada na Revista Ideias de agosto -118

Crônicas em tirinhas

2011-08-23T14:02:00.001-07:00

"O poema é feito de palavras necessárias e insubstituíveis"

Octavio Paz